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Les gravures du Petit Palais seront exposées jusqu’au 15 mai et celles de la Fondation Custodia jusqu’au 20 juillet 2024. Elles seront ensuite remplacées par des gravures complémentaires issues de la collection du Fonds Glénat pour le second semestre 2024.

Les dessins légendés de Glen Baxter deviennent la marque de fabrique de l’artiste. Réalisées à l’encre de chine et au crayon gras, jouant avec les associations entre textes et images, ses œuvres nouent un rapport intense avec la langue et ses sonorités.

Exposé dans le monde entier (New York, Tokyo, Sydney, Londres…), Glen Baxter est aussi représenté par la galerie Isabelle Gounod à Paris. Ses œuvres sont présentes dans de nombreux musées et collections privées à travers le monde (Tate Britain, V&A Museum à Londres…) et ont illustré de prestigieux magazines tels que The New Yoker, The Independant on Sunday ou Vanity Fair. Glen Baxter est aussi l’auteur de plusieurs ouvrages publiés en anglais et en français.

À travers la présentation d’une trentaine d’œuvres, cette exposition réalisée en partenariat avec la Fondation Salomon à Annecy propose de découvrir l’univers humoristique et décalé de Glen Baxter. Quatre thèmes sont ainsi mis en évidence.

Le premier touche à l’histoire de l’art, avec ses nombreuses références aux mouvements artistiques ayant particulièrement influencé l’artiste. Le deuxième, consacré à la gastronomie, pose un regard malicieux sur la cuisine française. Le troisième met en avant les « oncles fictifs », une figure très présente dans l’œuvre de l’artiste, mis en scène dans des situations absurdes et humoristiques qui ne sont pas sans rappeler le film Mon oncle de Jacques Tati. Enfin, le dernier thème est consacré à l’autodérision dont peut faire preuve Glen Baxter : l’occasion de présenter des anecdotes biographiques.

Thème pastoral en vogue dans les arts au XVI^e siècle, Les Amours de Gombault et Macée raconte les amours d’un berger et d’une bergère, tout en mettant en scène la vie paysanne. Ce texte, écrit en ancien français, tire son origine du Jeu de Robin et Marion, une pièce de théâtre entrecoupée de chansons écrites par Adam de la Halle au XIII^e siècle et l’un des premiers opéras comiques de la littérature francophone. Cette pastourelle (poème chanté) fut beaucoup représentée en tapisserie et en gravure, constituant ici un ensemble de huit panneaux tissés.

Notre tapisserie, l’un de ces huit panneaux, représente la scène du repas. Bergers et bergères sont rassemblés sur l’herbe. Sur la gauche se tiennent deux cavaliers. L’un d’eux porte un faucon à son poing. Au centre de la tapisserie, nous retrouvons la bergère, qui repousse les assauts d’un chevalier tandis que les autres protagonistes profitent du banquet pastoral. Au premier plan, un buisson accueille plusieurs volatiles dont un faucon terrassant un héron.

Les bordures de la tapisserie présentent des motifs végétaux, des fruits, deux têtes de béliers et des instruments liés à la vie pastorale. Au centre de la bordure inférieure, divers instruments de musique. Sur la bordure supérieure, les attributs du berger. Ces bordures fleuries et chargées de symboles sont caractéristiques des Ateliers de Bruges.

Les dialogues entre les personnages sont représentés dans les phylactères (banderoles aux extrémités enroulées), à la manière de bulles de bande dessinée :

Pastoureax qui vivent sous les ombres

Des bois avec pastourelles
A vingt cinc ans sont plus aises
De gros pains bis d’eau et de freses
Que gentils hommes et damoiselles

Alizon c’est plaisant butin
Que tenir ton ferme tetin
Et baiser ta bouche vermeille.

Mais d’ou vous vient cest avertin
Retirez votre sotin
Gardez que Robin de s’eveille.

Venez boire mo gentil homme
Et manger un morceau de pomme
en nootre banquet pastoral.

Sans soucy vivons et sans somme
D’or ou d’argent joyeux nous sommes
De vivre sans penser en mal

Il te tarde bien Rigodet
Que tu n’embrasse ce godet
Pour faire a Baccus sacrifice

Dans sa représentation de « saynètes » et dans l’irruption des dialogues dans l’image, la tapisserie use des mêmes procédés que la bande dessinée. Elle est d d’ailleurs encore utilisée par certains auteurs, comme Philippe Druillet ou encore les Ateliers d’Aubusson, pour représenter l’œuvre d’Hayao Miyazaki.

Concours d’illustrations jeunes talents pour mobiliser le public en faveur de la protection des océans du 22 janvier au 5 avril 2024.

Concours d’illustration jeunes talents

quel océan pour 2030 ?

Présenté par la Fondation de la Mer, le musée national de la Marine et la Fondation d’entreprise Glénat.

Et pour les 3 lauréats : exposition de leur illustration (et travaux préparatoires) au musée national de la Marine du 05 au 10 juin 2024.

Les candidats devront :

• Être une personne majeure âgée de 18 à 26 ans
• Résider en France métropolitaine
• Présenter un projet répondant aux objectifs suivants :
  • Mobiliser le public pour agir en faveur de la protection des océans.
  • Informer et permettre la projection dans l’avenir en répondant à la question : quel océan pour 2030 ?
  • Produire un projet original, en couleurs, format minimum 297 x 420 mm et format maximum 420 x 594 mm. Les œuvres sont attendues dans un premier temps au format numérique. Dans un second temps, est prévu un accrochage matériel des œuvres et des travaux préparatoires s’ils existent dans l’espace d’actualités au musée national de la Marine à Paris du 5 au 10 juin 2024.

La compréhension du message porté par l’illustration doit être immédiate et accessible au grand public. L’illustration doit être pensée pour être reproduite sur des supports de communication variés, notamment ceux de la Fondation de la Mer et du musée national de la Marine, avec pour objectif d’engager le public en faveur de la protection des océans.

Cette édition du concours est ouverte du 22 janvier au 5 avril 2024 inclus.

Dossiers complets à envoyer à la Fondation Glénat avant le 5 avril 2024, à minuit :

• En version physique, par la poste (cachet de la poste faisant foi), à l’adresse suivante :

• Ou en version dématérialisée, par courriel (date et heure française de connexion faisant foi), à l’adresse suivante :

Spécialement créé par Zep, ce dessin fait l’affiche de l’exposition L’arbre dessiné au couvent Sainte-Cécile. À mi-chemin entre la représentation naturaliste et le propos narratif, il présente le portrait d’un majestueux platane et, au second plan, un rideau d’autres essences arboricoles qu’on peut deviner à leurs troncs… Ainsi que l’apparition, plutôt intimidée, du personnage de Titeuf !

Zep vit en Suisse, à Genève. Son nom est intimement lié à celui de Titeuf, son personnage phare qui célèbre cette année – avec la publication de Titeuf, le livre d’or et d’un nouvel album (Suivez la mèche) – son 30^e anniversaire. Mais l’œuvre de Zep dépasse la seule traduction humoristique des questionnements de l’enfance. Zep observe aussi la nature en remplissant ses carnets à croquis d’arbres, son sujet de prédilection. Sa variété de styles traduit l’attachement de Zep à raconter et à représenter le monde des « grands », que ce soit par le biais de sa série Happy, par le blog qu’il a animé sur lemonde.fr, ou par sa collection de fictions en style réaliste qu’il imagine depuis 2013. Intitulé The End, le troisième opus de cette collection réunit sa passion pour la nature et les arbres, avec une fable confondante sur l’interconnexion entre la flore et la faune pour répondre aux agressions sans fin de l’homme à leur encontre.

Mais alors, pourquoi le platane ? C’est d’abord un arbre que Zep aime représenter dans les aventures de Titeuf, souvent de façon plus dénudée. Considéré aujourd’hui comme l’arbre urbain par excellence, le platane est aussi, dans la mythologie grecque, le symbole de la régénération (celle des plaques présentes sur son écorce). Grâce à sa résistance à la pollution et à la densité de son feuillage, il est depuis longtemps utilisé pour ombrager les routes, rues, places ou allées des villes. D’une grande longévité, il peut mesurer jusqu’à 50 mètres de hauteur. Cet arbre séduit « graphiquement » par les morcellements chromatiques de son écorce (les fameux rhytidomes), la densité et l’ampleur de son feuillage, l’épaisseur et les renflements de ses branches (à la mesure de leur taille), et par la beauté de ses feuilles, très proches de celles de l’érable.

Ode à la majesté de l’arbre, cette affiche raconte aussi un doux échange entre l’enfance et l’énergie de la nature.

Donald est un personnage emblématique de l’univers de Mickey Mouse. Il fait sa première apparition en 1931 dans « Mickey’s ‘Hoozoo’ Witswitch, And Wotswo », poème issu de la série The Adventures of Mickey Mouse.

Le personnage de Donal Duck fait ses vrais débuts dans la bande dessinée en 1934 dans la version papier de la Silly Symphony. Il est alors représenté sous les traits d’une petite poule. Mais c’est en 1935 qu’arrive, dans les studios Disney, le père spirituel de Donald : Carl Barks, auteur et scénariste. Son arrivée marque la naissance de la carrière solo de Donald Duck. Au moment de la Seconde Guerre mondiale, Donald fait d’ailleurs partie des héros de fiction mobilisés pour la propagande de guerre, bien que Barks préfère l’humour et les gags.

Il démissionne donc, mais continue à développer l’univers du canard. Embauché par Western Publishing, Barks créé de nombreux personnages comme Picsou, Géo Trouvetou, Archibald Gripsou.

Les années 1950 marquent la fin des courts métrages de Donald Duck, mais la vie du célèbre canard se poursuit dans le neuvième art dès les années 1960 puisque la bande dessinée explose alors en Europe. En 1969, Guido Martina et Giovan Battista Carpi créent ainsi Fantomiald, l’alter ego de Donald, un super-héros masqué qui donne une nouvelle dimension au personnage du canard. Fantomiald devient plus moderne dans les années 1970 et sera repris par de nombreux auteurs.

Dans les années 1980, le dessinateur Don Rosa reconstitue l’arbre généalogique de Donald Duck et développe le personnage de Picsou avec une nouvelle série d’histoires. Ces années marquent un regain d’intérêt pour l’univers des canards de Disney.

Dans les années 1990, le personnage de Fantomiald est relancé dans un format proche de celui des super-héros de comics. L’Italie devient alors un véritable moteur dans le développement du personnage, qui se poursuit dans les années 2000. Enfin, en 2010, Glénat annonce la publication des œuvres complètes de Mickey Mouse et Donald Duck, ainsi que la création de nouvelles histoires.

Paresseux, colérique, impatient, malchanceux, très gourmand, Donald Duck est tout le contraire de Mickey… Ce qui ne l’empêche pas d’être terriblement drôle et sympathique ! Dans ce dessin, il dépose tendrement les cadeaux de Noël de ses neveux, Riri, Fifi et Loulou, qui préparent sûrement leurs prochains gags cachés derrière une porte !

Pierre Bonnard (1867-1947) découvre la lumière du Midi et plus particulièrement celle de la Côte d’Azur en 1904, en compagnie des peintres Édouard Vuillard et Charles Roussel. Il rencontre alors Paul Signac et Louis Valtat à Saint-Tropez. Si le Sud ne fut pas d’emblée son « pays d’élection », l’artiste y retournera régulièrement, louant des villas à Grasse, Saint-Tropez, Antibes et Cannes avant d’acheter, en 1926, une petite maison sur les hauteurs du Cannet avec une belle vue sur la Méditerranée.

Dans cette toile réalisée en 1925, Bonnard représente la terrasse du Cours, haut lieu de promenade situé à Grasse et aménagé entre le XVIII^e et le XIX^e siècle. Le tableau est divisé en deux parties. La première, située sur la partie basse de l’œuvre, présente une route sur laquelle marchent trois personnages : un couple et une femme seule. Les passants traversent le tableau sans se soucier de l’artiste qui décide de les représenter encadrés par un mur jaune en arrière plan, telle une scène du théâtre de la vie. Ce mur a aujourd’hui été remplacé par un parking.

La seconde partie du tableau pousse le spectateur à lever son regard vers la nature qui surplombe les personnages. Le ciel bleu, les arbres et les plantes exotiques rappellent, par leur position dans le tableau, le triomphe de la nature sur l’humain.

Durant les années 1920, Bonnard s’intéresse de plus en plus au paysage. Son art est fondé sur l’observation. Ses notes quotidiennes sur le temps qu’il fait révèlent la relation obsessionnelle que l’artiste entretient avec le mouvement du climat et des saisons pour travailler la lumière de ses tableaux. Cette lumière si caractéristique, c’est le jaune de la palette de l’artiste qui la rend. Une couleur équivoque et ambivalente qui constitue d’ailleurs un monde en soi pour Bonnard. Saisi par les lumières du Sud lors de son premier séjour à Saint-Tropez en 1904, il écrit à sa mère : « J’ai eu un coup des Mille et Une Nuits : la mer, les murs jaunes, les reflets aussi colorés que la lumière ». Mais en réalité, le jaune entre dans l’œuvre du peintre dès les débuts de sa carrière. Jaune de cadmium, jaune safran, jaune d’or, jaune citron, jaune de Naples, jaune indien… Bonnard décline toutes les nuances de cette matière rayonnante et irradiante. Le jaune est pour lui la couleur qui réfléchit le plus la lumière et qui trouve donc sa place dans cette toile.

Dans cette Terrasse à Grasse, Bonnard parvient à restituer une lumière zénithale. Le soleil inonde la promenade représentée ici et le jaune, choisi pour ses capacités luminescentes, exprime la radiance et l’été. Il y est brûlant, exalté, saturé et suggère, bien sûr, la chaleur du soleil. C’est alors tout le Midi qui se dégage de cette œuvre.

Portée par une affiche imaginée par Zep et présentée dans une scénographie conçue et réalisée – sous la direction de Philippe Liveneau et Maxime Belzunce – par les élèves du parcours de master 1 « Architecture, Ambiance et Culture Numérique » de l’ENSAG, l’École nationale supérieure d’architecture de Grenoble, l’exposition s’installe dans la magie du couvent Sainte-Cécile de Grenoble. Elle s’ouvre, dès l’entrée par la cour, sur une gigantesque canopée. L’exposition réunit ensuite plus de 130 planches originales et carnets de dessins de 25 autrices et auteurs de bande dessinée, principalement français mais aussi suisses, belges ou italiens. Exposées dans la chapelle comme dans le cloître du couvent, leurs œuvres dessinent un parcours extrêmement sensible des représentations de l’arbre dans la bande dessinée grâce à de nombreuses techniques : de l’aquarelle à la carte à gratter, en passant par l’encre de Chine, le pastel, les encres acryliques ou le seul crayon. Le public pourra ainsi apprécier l’usage narratif, poétique et presque constant de l’arbre dans les œuvres de Alfred, Charles Berberian, Alexandre Clérisse, Pascal Croci, Emmanuel Lepage, Lorenzo Mattotti, François Schuiten ou de Tom Tirabosco; mais aussi rire ou sourire des incroyables histoires d’arbres dans L’Ours Barnabé de Philippe Coudray; goûter aux arbres qu’Aude Picault ou Zep aiment autant rapporter dans leurs œuvres que dans leurs carnets d’observation ; plonger dans l’histoire de L’homme-arbre de Joann Sfar; voyager avec des lunettes 3D dans la jungle des aventures de Jim Curious de Matthias Picard; mesurer la force narrative de l’arbre dans les œuvres de Christophe Chabouté, Johann G. Louis, Gaétan Nocq ou Anne-Margot Ramstein ; ou encore, dans un registre similaire, se laisser emporter par les virtuoses et fascinants dessins d’arbres de François Boucq, Vincenzo Cucca, Régis Loisel, Vincent Mallié, Alexis Nesme, Thomas Ott, Daria Schmitt ou Béatrice Tillier.

Le Fonds Glénat n’a pas résisté au plaisir de glisser dans l’exposition un clin d’œil à Sempé (1932-2022) qui sut, avec un talent inoubliable, interpréter majestueusement la figure de l’arbre dans ses dessins d’humour. Fidèle à sa volonté d’encouragement à la création et pour compléter son propos, le Fonds Génat a également demandé à 17 des autrices et auteurs exposés de se repré- senter en arbre. De manière réaliste ou mêlant les traits aux branches et aux racines, ces autoportraits sont des invitations à des rencontres aussi inédites que singulières.

Précisons enfin que l’exposition se complète, pour toutes et tous, d’un espace de lecture « arboricole » de plus de 100 ouvrages, d’une table de jeux de mémoire ainsi que, en écho à la commande des autoportraits en arbre des autrices et auteurs exposés, d’un atelier/concours de dessin invitant le public à se dessiner, lui aussi, en arbre.

L’exposition en bref :

• 25 autrices et auteurs contemporains vivants, d’ici… et un peu d’ailleurs : Alfred (France, 1976)Charles Berberian (France, 1959) François Boucq (France, 1955) Christophe Chabouté (France, 1967) Alexandre Clérisse (France, 1980) Philippe Coudray (France, 1960) Pascal Croci (France, 1961) Vincenzo Cucca (Italie, 1977) Johann G. Louis (France, 1984) Emmanuel Lepage (France, 1966) Régis Loisel (France, 1951)Vincent Mallié (France, 1973) Lorenzo Mattotti (Italie, 1954) Alexis Nesme (France, 1974) Gaétan Nocq (France, 1968) Thomas Ott (Suisse, 1966) Matthias Picard (France, 1982) Aude Picault (France, 1979)Anne-Margot Ramstein (France, 1984) Daria Schmitt (France )François Schuiten (Belgique, 1956) Joann Sfar (France, 1971) Béatrice Tillier (France, 1972) Tom Tirabosco (Suisse, 1966) Zep (Suisse, 1967)
• 1 hommage à Sempé (France, 1932-2022).
• Plus de 130 œuvres originales de tous formats et de toutes techniques.
• La présentation de 17 autoportraits en arbre, spécialement réalisés pour l’exposition par la plupart des autrices et auteurs exposés, soit : Alfred, Charles Berberian, Alexandre Clérisse, Philippe Coudray, Pascal Croci, Johann G. Louis, Emmanuel Lepage, Gaétan Nocq, Thomas Ott, Matthias Picard, Aude Picault, Anne-Margot Ramstein, François Schuiten, Daria Schmitt, Béatrice Tillier, Tom Tirabosco et Zep.
• Une bibliothèque de plus de 100 ouvrages de bande dessinée autour de l’arbre.

L’exposition L’arbre dessiné est présentée grâce au soutien et à l’accompagnement de la Caisse d’Épargne Rhône Alpes, des Papeteries de Vizille du groupe Vicat, d’Hachette livre, de l’Association filière formation de l’industrie papier carton, de France 3 Auvergne Rhône-Alpes, de France Bleu Isère, de M’Tag et du Téléphérique Grenoble Bastille.

• Production : Fonds Glénat pour le patrimoine et la création
• Commissariat : Philippe Duvanel
• Scénographie : Maxime Belzunce et Vincent Hauzanneau, studio Silence avec la collaboration de l’École nationale supérieure d’architecture (ENSA) de Grenoble.

Cette sculpture, composée d’un tronc de châtaignier mort et d’une vidéo-projection des branches et des feuilles réalisée par Raphaël Bot-Gartner, évoque le cycle des saisons à travers la figure d’un arbre et de son ombre.

Artiste plasticien contemporain français, Samuel Rousseau exploite principalement la vidéo et les ressources de l’informatique dans ses moyens d’expression qui demeurent très variés. À travers ses œuvres, il questionne le monde, les médias mais également l’humanité.

Cette œuvre représente un cycle complet de la vie d’un arbre au fil des saisons. Sur le modèle des ombres portées, la vidéo décline les différentes phases de son développement jusqu’à sa mort : bourgeonnement, floraison, chute des feuilles, branches dépouillées. Ce cycle, projeté en boucle, comme les parcours accélérés de croissance des documentaires naturalistes, contient à la fois quelque chose d’intangible et de fragile. Malgré sa simplicité, cette projection est réglée au millimètre sur le véritable tronc de l’arbre. Le sentiment poétique qui se dégage de l’œuvre amène alors le spectateur à se questionner sur le cycle de sa propre vie. De sa naissance à sa mort, les questionnements autour de l’homme font alors s’entrecroiser virtuel et réel avant de proposer un nouveau regard et une renaissance.

Cette eau-forte, réalisée par Rembrandt en 1641, représente un homme et une femme qui se tiennent à la porte d’une maison et semblent discuter, tandis qu’autour d’eux se trouve un attroupement d’enfants.

Le titre de la gravure, « Le maître d’école dit aussi le joueur de vielle », laisse à penser que l’homme est peut-être un enseignant. Pourtant, à la première observation, rien ne laisse présager que nous sommes en présence d’un maître d’école. En effet, le personnage porte cape, besace et chapeau et ressemble donc bien plus à un voyageur.

Dans l’iconographie populaire de l’école, il faudrait plutôt s’attendre à retrouver ces enfants dans une salle de classe avec bancs et pupitres, aux côtés d’un enseignant portant costume et baguette, pour pouvoir parler d’un véritable instituteur.

Or, rien de tout cela n’apparaît dans cette gravure qui nous plonge dans une autre réalité, celle des Provinces-Unies du XVII^e siècle. À cette époque, le succès des premières formes d’instruction primaire et populaire se confirme avec le développement de l’imprimerie et la diffusion massive de l’écrit. Les communautés rurales embauchent donc principalement des hommes laïcs, pour apprendre aux enfants à lire et à écrire. Mais la maigre rétribution fournie par les habitants ne permet pas de stabiliser cette profession et de nombreux maîtres quittent finalement leur emploi pour se déplacer de village en village, attirés par la promesse d’une situation meilleure. L’enseignant devient alors le voyageur qui a peut-être été représenté ici par Rembrandt.

La seconde partie du titre peut également laisser sous-entendre que cet homme est en réalité un joueur de vielle. Si l’instrument n’est pas directement visible, il semble que la profession de musicien, dans l’imaginaire social du XVII^e siècle, soit intimement liée au voyage. Profession ambulante, les musiciens participent en effet aux divertissements et aux événements de sociabilité en se rendant de village en village. La besace, portée par l’homme de cette gravure, pourrait donc être en réalité une vielle à roue et l’attroupement des enfants servirait à montrer la force d’attraction de la musique populaire.

Tout le mystère entourant l’identité du personnage principal provient en réalité du traitement de l’ombre et de la lumière choisi par Rembrandt, laissant ainsi place à de nombreuses interprétations.