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Formé à Amsterdam auprès du peintre d’histoire Pieter Lastman, Rembrandt choisit d’installer son premier atelier à Leyde, sa ville natale. Il y travaille aux côtés de proches collaborateurs, tels Jan Lievens et Jan Gillisz van Vliet, et y forme ses premiers élèves, parmi lesquels Isaac de Jouderville et Gerard Dou. Ce noyau initial marque le début d’un atelier appelé à devenir l’un des plus féconds du XVIIᵉ siècle.

Après son installation à Amsterdam et son admission à la guilde de Saint-Luc, Rembrandt obtient le statut de maître peintre, l’autorisant officiellement à recevoir des élèves. Si les sources évoquent principalement l’enseignement de la peinture, la place centrale de la gravure à l’eau-forte dans sa production laisse peu de doute quant à son rôle essentiel dans la formation des apprentis. À partir du 4 février 2026, le nouvel accrochage du cabinet Rembrandt explore les collaborations, influences et dialogues artistiques autour de Rembrandt au XVIIe siècle, de Leyde à Amsterdam, puis jusqu’à la diffusion de son œuvre au XVIIIe siècle.

Les eaux-fortes de Jan van Vliet, Jan Lievens, Ferdinand Bol, Giovanni Benedetto Castiglione et James Bretherton présentées à cette occasion illustrent en effet la richesse d’un atelier devenu un véritable réseau artistique européen. L’imitation du maître, étape fondamentale de l’apprentissage, favorise ainsi la diffusion de son langage graphique, tout en laissant place à des interprétations personnelles. De nombreux artistes majeurs passent par son atelier, de Govert Flinck et Ferdinand Bol à Carel Fabritius ou Arent de Gelder. Tous mèneront ensuite leur propre carrière, plus ou moins mémorable, mais contribuent collectivement à la diffusion du style de Rembrandt et à l’affirmation de sa renommée. À travers la présentation de neuf gravures inédites issues des récentes acquisitions du Fonds Glénat qui compte actuellement 118 gravures, cette exposition propose d’explorer le rôle de l’atelier, de ses élèves et de ses collaborateurs dans la construction et la transmission de la postérité du maître.

Benjamin Spark est un artiste français associant le street art, le pop art et la figuration narrative. Fortement inspiré par Erró à ses débuts, mais aussi par Jean Michel Basquiat, il mêle dans ses œuvres des personnages de BD, des graffitis, des coupures de journaux et des publicités. Il vit et travaille aujourd’hui à Bruxelles et se définit lui-même comme un « artisan de la pop culture ».  

Ce tableau met en scène Minnie Mouse, figure emblématique de la culture populaire, plongée dans un univers graphique saturé qui mêle couleurs vives, typographies éclatées et effets de coulures propres au street art. L’artiste juxtapose l’innocence du personnage à un fond chaotique composé de fragments de mots et de signes, évoquant le bruit visuel de notre société hypermédiatisée. Cette coexistence entre une icône rassurance et un tumulte de couleurs et d’image créé un contraste particulier qui absorbe progressivement le personnage. Minnie n’est plus seulement ici un personnage de dessin animé car Spark propose en réalité une réflexion sur la manière dont nos références d’enfance se transforment en objets culturels recyclés, détournés et réinventés.  

Cette scène bucolique où l’on découvre une jeune fille et un berger au bord d’une rivière est très peu fréquente dans l’œuvre de Rembrandt. Les collectionneurs s’accordent à discerner dans cette gravure le goût pour la poésie pastorale à la mode en Hollande à cette époque, mais le plus probable semble que l’artiste ait simplement cherché, comme beaucoup d’autres graveurs, à éditer une estampe agréable à regarder et susceptible de se vendre, y ajoutant, selon son habitude, une touche personnelle. Ainsi, au lieu de présenter des traits juvéniles et gracieux, le visage du berger est laid et vulgaire et, loin de contempler avec ravissement sa bien-aimée, il regarde à la dérobée entre ses jambes.  

Il faut également chercher la symbolique des animaux présents dans cette scène pour en saisir le sens véritable. Le hibou, posé sur l’épaule du berger, symboliserait, selon Holm Bevers, la folie et la luxure donnant un côté inquiétant à la scène. De même, une allégorie sexuelle est perçue dans ces moutons et ces brebis qui, au lieu de paître paisiblement, s’affrontent et se pelotonnent.   

Enfin concernant les personnages, les objets présents entre leurs mains font l’objet de plusieurs interprétations. La flûte, pointée vers la jupe de la jeune fille, est un symbole phallique, quant à la guirlande de fleurs, elle signifierait que la jeune fille consent à une relation lascive.  

Les divers changements que Rembrandt effectua sur la planche semblent d’ailleurs amener l’artiste à recentrer l’attention du spectateur sur les deux figures principales tout en amenant son lot de questions et d’histoires possibles.  

Harumi Klossowska de Rola est une artiste contemporaine suisse, née en 1973. Elle commence sa carrière dans la haute joaillerie, où elle a notamment collaboré avec Valentino, Chopard et Boucheron. Avec la création d’objets décoratifs s’inspirant des mythologies grecques, romaines ou égyptiennes mais aussi de l’art africain et de la philosophie japonaise du wabi-sabi, elle développe considérablement sa pratique artistique.

Inspirée par les légendes égyptiennes, cette sculpture intitulée Maahes fait référence à la divinité éponyme qui incarne la guerre, la protection et le soleil. L’œuvre s’inscrit dans une lignée de représentations d’animaux sacrés réalisées par l’artiste.

La sculpture intègre un banc en son centre, illustrant le repos, ou l’accueil, placé sous la protection du lion, roi des animaux. Ce siège spirituel, où l’âme se détend, est aussi le trône symbolique de la divinité.

Œuvres publicitaires créées entre la fin du XIX^e et le début du XX^e siècle, les affiches PLM (Paris-Lyon-Méditerranée) servaient à promouvoir les destinations desservies par la compagnie de chemin de fer du même nom. Réalisées par des artistes renommés, comme Roger Broders ou Hugo d’Alési, elles mettaient ainsi en avant les paysages pittoresques, les stations balnéaires et les sites touristiques des régions desservies par le réseau ferroviaire.

Cette affiche, réalisée en 1930 par Roger Broders (1883 – 1953), vise à promouvoir le service automobile de la route des Alpes. En effet, si Saint-Pierre-de-Chartreuse n’est pas directement accessible par le train, il l’est par ce nouveau service automobile mis en place par le réseau PLM. Lancé au début du XX^e siècle pour compléter le réseau ferroviaire et faciliter l’accès aux régions montagneuses, le service permettait d’assurer des liaisons régulières entre les principales destinations touristiques des Alpes tout en offrant aux voyageurs des vues panoramiques tout au long de leur trajet dans les « car alpins ».

Destination prisée et mise en avant dans les affiches PLM du début du XX^e siècle, Saint-Pierre-de-Chartreuse est connue pour ses pa­ysages préservés et son cadre naturel excep­tionnel ainsi que sa proximité avec le monas­tère de la Grande Chartreuse.

Sujet fondamental dans les pratiques artistiques, le bestiaire témoigne de la longue et lointaine relation qui unit l’homme et l’animal dans tous les arts et dans tous les pays, mais aussi sous toutes ses formes.

Aux XVI^e et XVII^e siècles, les animaux peints ou dessinés sont, la plupart du temps, des éléments de natures mortes ou de tableaux de paysages. Mais à partir du XVII^e siècle, la représentation animale connaît un incroyable apogée dans l’art néerlandais qui va de pair avec l’intérêt scientifique croissant pour la faune et la flore.

La diversité des espèces animales représentées se retrouve alors dans les gravures de Rembrandt et traduit une fascination de l’artiste pour le sujet. Dans cette multitude de représentations, l’animal est parfois sujet ou décor, mais sert aussi de messager dans la transmission de valeurs au spectateur.

Pour sa sixième saison, le cabinet Rembrandt choisit donc de s’intéresser au bestiaire contenu dans les gravures de Rembrandt à travers une sélection de sept gravures provenant de la collection de la Fondation Custodia ainsi que quelques inédits de la collection du Fonds Glénat, qui compte actuellement plus de 110 gravures du grand maître néerlandais.

Auteur de carnets de voyage, Jacques de Loustal a reçu une commande de la société APRR pour la réalisation de panneaux touristiques et culturels sur les autoroutes qui traversent la Savoie, la Haute-Savoie, l’Isère et la Drôme. Ces images, destinées à être vues à grande vitesse, doivent maintenir en éveil les automobilistes sans pour autant distraire leur attention. De ce fait, de nombreuses contraintes techniques ont été imposées à l’artiste : format vertical, noir et blanc seulement rehaussé d’un camaïeu de brun, simplification des motifs, sujets prédéfinis. Et pourtant, Loustal a su leur imprimer son style par la virtuosité de son trait et son univers graphique si particulier.

Au total, ce sont plus d’une centaine de panneaux de 6 mètres de haut sur 3,3 mètres de large qui ont été réalisés pour les autoroutes APRR et ATMB. Véritable « galerie d’art à ciel ouvert », les illustrations des panneaux d’autoroute provoquent l’irruption inattendue d’une démarche artistique dans le paysage des automobilistes.

Et pour compléter cette échappée belle en Isère dans l’œil des artistes, les points de vue de Loustal sont mis en regard avec des affiches PLM diversifiant les invitations à s’approprier la région sous le prisme de l’art. Enfin, pour commenter cette rencontre, l’auteur et critique Jean-Louis Roux propose sa vision originale et facétieuse dans des textes qui accompagnent les illustrations de Loustal.

Production et conception : Fonds Glénat pour le patrimoine et la création

Textes : Jean-Louis Roux

Le Fonds Glénat remercie chaleureusement l’équipe du musée des Beaux-Arts de Chambéry ainsi que la société d’autoroute APRR et AREA.

Considéré comme l’un des membres les plus importants du mouvement hyperréaliste américain qui se développe au début des années 1970, DeAndrea adopte une position originale à la fois dans son travail de peinture et de sculpture.

Lorsque John DeAndrea obtient son diplôme en 1965, c’est l’abstraction qui domine la scène artistique. Encore à l’université, il commence à travailler sur les techniques de moulage lui permettant de créer des sculptures hyperréalistes. Parmi celles-ci, le moulage en prise directe, une technique à la fois oubliée et inexplorée au début des années 1960. Il développe ainsi une méthode de moulage au silicone pour capter plus précisément les détails. Il utilise ensuite des positifs en fibre de verre, puis en résine de polyvinyle avant de terminer par le bronze.

Pour donner vie à ses œuvres, DeAndrea va ensuite peindre sa sculpture, d’abord avec de la peinture automobile, puis avec de l’acrylique et enfin de la peinture à l’huile. En superposant les couches, il crée l’illusion de la vie et de la chair.

Compte tenu de la complexité du moulage puis de la minutie du travail de peinture, chaque œuvre suppose des milliers d’heures de réalisation. Sa production est par conséquent très faible. On l’estime à environ 350 sculptures, dont la plupart sont d’ores et déjà dans des musées prestigieux, tels que Le Metropolitan Museum à New York ou le Centre Pompidou à Paris, et des collections privées.

Réalisée dans l’atelier de David Téniers, cette toile présente le cabinet de curiosité d’un collectionneur figuré au premier plan à gauche. On reconnaît au mur plusieurs tableaux appartenant à la collection de Léopold Guillaume, gouverneur des Pays-Bas de 1647 à 1656.

À partir de la fin du XV^e siècle, les princes d’Europe du Nord et d’Italie, ainsi que certains érudits humanistes et dignitaires ecclésiastiques, commencent à assembler de riches collections d’objets rares et étranges qu’ils conservent dans de petites pièces de leurs palais appelés cabinets d’art ou de curiosités.

Au cours du XVI^e siècle, ce goût pour les « curiosités » se répand parmi les amateurs éclairés dont les collections peuvent être contenues dans un seul meuble ou dans de plus vastes pièces, progressivement ouvertes à la visite et à l’étude. Ce n’est qu’au siècle suivant que ces collections apparaissent dans les tableaux, servant parfois de décor à une peinture d’histoire ou à une allégorie. La représentation de ces « cabinets de curiosités » ou « d’amateur » constituent alors un véritable sous-genre dans la peinture flamande et néerlandaise.

L’archiduc Léopold Wilhelm de Habsbourg, souhaitant manifester de son statut, de sa richesse et de son pouvoir, demande ainsi à David Teniers le Jeune de le représenter ainsi que sa collection. Il n’est donc pas étonnant qu’un élève de l’atelier du peintre ait alors également choisi ce sujet comme modèle.